Le grand maître du sitar indien, Ravi Shankar, vient de nous quitter à l'âge de 92 ans, ce 11 décembre 2012 à San Diego en Californie où il vivait depuis longtemps. Il nous laisse en héritage deux filles magnifiques et aussi douées l'une que l'autre, Norah Jones et Anoushka Shankar, ainsi qu'un fils joueur de tablas, Shubbo Shankar, qui l'a souvent accompagné. On ne reviendra pas sur sa carrière incroyable et son rôle de passeur entre l'occident et l'orient, connus de tous.
Ecoutons Ravi Shankar avec sa fille Anoushka.
Le 7 mars 2012 mourrait un autre Ravi Shankar, musicien, indien et très agé lui aussi (86 ans). La confusion fut telle lors de l'annonce de son décès que nombre de médias annoncèrent par erreur la mort du joueur de sitar (toutes ces sources ont été pudiquement supprimées aujourd'hui, mais les url sont encore facile à retrouver). Les médias occidentaux ne s'étaient jamais doutés qu'il pouvait exister plusieurs Ravi Shankar (en fait au moins six, dont quatre musiciens). Une guerre d'édition eu lieu sur les wikipédias francophone et anglophone pour affirmer ou infirmer la disparation du virtuose.
Cet autre Ravi Shankar, en fait plus connu simplement sous le nom de Ravi, puis "Bombay Ravi", était aussi une star en Inde, étant un compositeur majeur des films hindi et malayalam depuis les années 50 jusqu'à aujourd'hui.
On trouve beaucoup de mélodies un peu sirupeuses dans sa production, quoique parfaitement adaptées à leur contexte cinématographique. Ecoutons plutôt une de ses compositions un peu plus dynamiques.
Une fois n'est pas coutume, mais pour cette année 2012 : RIP Ravi Shankar x2.
Quelques bons disques fournis par les canadiens en cette année 2012.
The Souljazz Orchestra - Solidarity 8,4/10 Soul jazz / Afrobeat (Ottawa)
L'album a été entièrement enregistré en analogique pour retrouver le son des années 70.
BADBADNOTGOOD - BBNG2 8,36/10 Jazz fusion (Toronto)
Les membres du groupe ont tous moins de 21 ans et, malgré tout, déjà une impressionante maturité musicale.
Kid Koala - 12 Bit Blues 8,17/10 Turntablism / Blues (Montréal, né à Vancouver)
Eric San, alias Kid Koala, DJ sino-canadien, mixe de vieux disques de blues et obtient un résultat original et parfois même étonnant. Sur le label Ninja Tune, bien sûr.
Merci à La musique à son top pour cette découverte.
La première campagne ainsi que l'élection de Barack Obama ont généré des centaines de chansons à travers le monde, pour la plupart à sa gloire. J'en ai choisi une (un peu) au hasard.
Papa Michigan est un jamaïcain et ce titre est un dancehall.
On trouvera là une interview (en anglais) instructive sur les circonstances de son retour sur le devant de la scène.
Ré-écoutons le morceau qui à été à l'origine de son regain de popularité, au Royaume-Uni d'abord, puis dans le reste du monde en suite :I Don't Want to See Myself.Ce titre de 1983 fut redécouvert à la fin des années 80.
Pour ceux qui ne connaitraient pas l'œuvre de Terry Callier, il conviendra d'écouter principalement ses 3 premiers albums :
The New Folk Sound of Terry Callier (1968) What Color Is Love (1972) [mon préféré, mais ce n'est que mon avis...] Occasional Rain (1972)
Depuis que mon frère est récemment parti habiter en Suède, de nouveaux horizons d'exploration s'ouvrent à moi. J'ai préféré laisser de côté pour l'instant les facettes plus connues de la Suède (telles que le jazz et le métal) et ce n'est pas sans surprise que j'ai découvert un genre musical dont j'ignorais tout et qui, il faut le dire, est un peu méprisé : la dansbandsmusik. Essayons d'en avoir un bref aperçu.
admirons les beaux costumes
Un dansband est tout simplement un orchestre de bal, conçu pour faire danser les gens, en couple de préférence. Contrairement à ce que l'on peut voir ailleurs, les dansbands s'adressent généralement à un public d'âge moyen. Les principales influences musicales du dansbandsmusik viennent du pop/rock, de la country, du swing et du schlager. Les groupes jouaient principalement dans les hôtels, les fêtes locales et... sur les ferrys, nombreux dans les pays scandinaves.
Le genre à atteint le sommet de sa popularité dans les années 70 en Suède. Il s'est alors répandu en Norvège, au Danemark et même en Finlande dans les régions parlant le suédois. On ne comptait pas moins de 800 dansbands dans les années 70, rien qu'en Suède. Ceux-ci enregistraient rarement, étant en tournée permanente. Un petit nombre de compositeurs pouvait composer pour des dizaines d'orchestres et les paroles étaient toujours dans la langue du public, ce qui dans les années 90 favorisa ces groupes dans les classement de disques nationaux, interdits au titres chantés dans une autre langue que le suédois. Il n'est pas question ici de faire un inventaire exhaustif, mais simplement de découvrir quelques piliers du genre aux carrières souvent impressionnantes par leurs durées.
Ecoutons pour commencer les Flamingokvintetten. Ce groupe originaire de Göteborg et fondé dès 1960 fut au sommet de sa gloire dans les années 70 et survécut assez bien durant les années 80 : il sortit 20 albums de 1969 à 1988, soit un par an. Il semble que le groupe existe toujours, bien que seuls le chanteur et le bassiste soient membres d'origine, après tout de même 52 ans de carrière.
On notera les costumes excentriques typiques de cette époque. Cela s'explique par le fait que l'on pouvait alors en Suède déduire de ses impôts les frais de confection de son costume de scène, mais à la condition de prouver que ce n'était pas quelque chose que l'on pouvait porter dans la vie de tous les jours.
Les dansbands souffrirent de l'arrivée du disco au début des années 80 : comment lutter contre Abba sur ses propres terres ? Le nombre de dansbands chuta alors de manière drastique et les survivants tentèrent de s'adapter. De cette époque vint l'habitude de laisser tomber les tenues excentriques pour des costumes blancs plus conformes aux codes du disco, voire pour des tenues tout à fait classiques.
les tenues excentriques sont parties, mais on se cherche encore
Vikingarna est un autre pilier de la dansbandsmusik. Le groupe, originaire de Arvika dans le sud-ouest de la Suède, se forme dès 1957 sous le nom de "The Vikings". Il n'atteint cependant vraiment la popularité qu'après son changement de nom en 1973 pour devenir Vikingarna (même sens que le précédent nom, mais en suédois).Une trentaine d'albums sortiront et le groupe ne se séparera pour de bon qu'en 2004, totalisant une carrière de 47 ans (il ne restait là aussi que deux membres d'origine). Vikingarna aura réussi l'exploit de s'exporter en Allemagne, dans les pays d'Europe de l'Est et même en URSS.
Thorleifs est un orchestre fondé en 1962 à Norrhult, dans le sud de la Suède, et dont la carrière vient tout juste de s'achever, après 50 ans et avec deux membres d'origine toujours en place, dont le fondateur Thorleif Torstensson. Il a enregistré une quarantaine d'albums.
malgré son 1,90 m,Thorleif Torstensson n'est visiblement pas le plus grand
Il y a aussi quelques femmes notables parmi les interprètes de dansbandsmusik. Une des plus importantes est sans conteste Lotta Engberg, née en 1963 à Överkalix dans l'extrème nord de la Suède, près de la frontière avec la Finlande. Elle débuta comme choriste, puis après plusieurs formations mena une carrière en duo avec son mari Anders Engberg. Après son divorce elle poursuivi une carrière en solo et atteignit une telle popularité que la poste suédoise émit un timbre à son effigie. Trois autres groupes furent honorés par un timbre : Arvingarna (actif depuis 1989), Sten & Stanley (toujours actif depuis 1962) et Thorleifs.
qui a eu l'idée de faire un timbre horizontal ?
Comme beaucoup de ses congénères, Lotta Engberg participa souvent au Melodifestivalen, concours annuel dont le gagnant représente alors la Suède au Concours de l'Eurovision chaque année. Elle gagna cette épreuve en 1987. Le titre qui suit, "Fyra bugg och en Coca Cola" (Quatre chewing-gums et un Coca-Cola) fut renommé Boogaloo pour des questions de droits évidents lors de son passage à l'Eurovision. Elle finit classée 12ème.
Terminons cet aperçu par un petit détour par la Norvège, pays où les dansbands ont aussi prospéré. La star du genre est ici le groupe Ole Ivars, formé en 1964 à Hedmark, dans le sud-est du pays. Le nom du groupe vient de ses deux fondateurs, Ole Ødegård (claviers) et Ivar Grønsveen (guitare et chant). Ivar meurt en 1973, mais le groupe continue à se produire et existe encore aujourd'hui avec, encore une fois, toujours deux membres d'origine et totalisant 48 ans de carrière.
admirons un beau fjord norvégien
Comme beaucoup de dansbands, Ole Ivars est très influencé par la country nord-américaine et cela s'entend nettement dans ses chansons. Ecoutons Ole Ivars.
On peut dire en conclusion que tous ces groupes sont un peu kitsch et n'ont la plupart du temps pas une très grande valeur musicale, c'est vrai, mais ils sont tout de même représentatifs de la culture scandinave et, à ce titre, ne pouvaient être ignorés.
Les chansons de Georges Brassens ont été traduites, plus ou moins fidèlement, en de multiples langues et c'est tout à fait par hasard que je découvre aujourd'hui une version en suisse allemand. Ceci nous fournit l'occasion de nous intéresser à un chanteur helvétique.
Mani Matter est un chanteur originaire de Berne. Juriste de formation, sa carrière musicale fut très courte, puisqu'il sort son premier maxi en 1966, suivi de trois autres jusqu'en 1972, année où il se tue dans un accident de la route à l'âge de 36 ans. Sortiront ensuite en 1973 un album posthume (un enregistrement en public), et une compilation reprenant tous les titres de ses maxis. Il est néanmoins considéré, encore aujourd'hui, comme un des plus grands paroliers suisses allemands et nombre de ses chansons sont encore chantées dans les écoles, un peu à l'image de Brassens, qu'il admirait. Parmi les chanteurs francophones, il traduira ou adaptera également du Guy Béart et du Félix Leclerc.
Ecoutons donc une reprise de la Ballade des dames du temps jadis, Ds Rägewürmli, dont les paroles n'ont visiblement rien à voir avec l'original (supposition, car je ne comprends rien au suisse allemand). Dr Kolombus est un album de chansons inédites de Mani Matter enregistré par ses anciens acolytes Jacob Stickelberger et Fritz Widmer en 1977, et ce n'est donc pas lui qui chante sur ce disque.
Il nous faut tout de même écouter la voix de Mani Matter.
Hemmige est un titre de 1970, tiré du maxi éponyme. La filiation avec Brassens est ici évidente.
Dr Eskimo est la reprise de La chanson du pharmacien de Félix Leclerc.
Il semble impossible aujourd'hui d'acheter un disque de Mani Matter en France. Il reste heureusement le streaming, où l'on trouvera quelques morceaux et extraits d'albums.
Pour cause de déménagement durant tout l'été, suivi de vacances bien méritées début septembre pour enfin aménager dans un nouveau lieu non connecté, ce blog est resté inactif trois mois durant.
Mais désormais, tout est fini, la connexion est arrivée, il est temps de reprendre nos explorations !
En guise de crémaillère ("housewarming"), écoutons donc ce boogie de 1951 interprété par Stick McGhee.
Ce pauvre homme, frère du célèbre Brownie McGhee, mourut d'un cancer des poumons à 44 ans, léguant sa guitare à son neveu.
(9 mars 1923, Deep Gap, Caroline du Nord - 29 mai 2012, Winston-Salem, Caroline du Nord)
Doc Watson
vient de nous quitter, ce mardi 29 mai, à l'âge de 89 ans. Aveugle dès
l'âge d'un an, son père lui fabriquera son premier banjo avec une peau
de chat, alors qu'il avait 11 ans. Il apprendra par la suite la guitare
et deviendra un des plus grands maîtres du folk traditionnel américain. Il vient d'un milieu pauvre et sera élevé avec huit frères et soeurs.
Doc Watson a passé toute sa vie dans le patelin de Deep Gap, au coeur des Appalaches. Les hivers y sont rudes et la production principale de la région est le Abies fraseri, une espèce de pin locale qui ne sert essentiellement à faire que des sapins de Noël. Le Watauga County, où se trouve Deep Gap, a jadis connu son heure de gloire avec la production de choux liées à d'immenses usines de choucroute, aujourd'hui disparues. Doc Watson venait bien de l'Amérique profonde et c'est sûrement ce qui le rendait si authentique.
Rappelons également le duo (puis trio avec le bassiste Michael Coleman) qu'il forma avec son fils Merle de 1964 à 1985, dont le succès planétaire ne fut interrompu que par la mort de Merle dans un accident de tracteur.
Grâce à l'élection de François Hollande, la ville de Tulle accède aujourd'hui à une renommée internationale.
Mais c'est aussi la ville natale d'un musicien célèbre, vedette des années 30 aux années 50 : Jacques Pills (né René Ducos).
Après avoir été le boy de Mistinguett, il débute avec un premier duo, Pills et Ward, formé avec le pianiste Pierre Coumontagnes.
Lorsque celui-ci s'en va, il le remplace par Georges Tabet pour former le duo Pills et Tabet en 1931. Le succès sera énorme et le duo tournera à l'époque dans toute l'Europe. Il se sépare en 1939.
Le titre qui suit n'est pas leur plus grand succès, mais permet de les voir en action.
Le duo se sépare en 1939, et Jacques Pills entame alors une carrière en solo. La même année, il se marie avec une des plus grandes vedettes de l'époque : Lucienne Boyer. Elle avait déjà souvent chanté avec le duo Pills et Tabet et interprété plusieurs autres de leurs chansons.
Embrasse-moi (1938) est une valse écrite par Pills et Tabet
Avec son ukulélé (1941) est un des grands succès de la carrière solo de Jacques Pills.
Séparé de Lucienne Boyer, il se mariera ensuite avec Édith Piaf en 1952, et il feront alors de nombreux duos ensemble.
Jacques Pills est choisi pour représenter Monaco pour sa première participation à l'Eurovision en 1959. Il finira 11ème et dernier, avec seulement un point.
Ironiquement, sa propre fille, Jacqueline Boyer (elle n'a alors que 18 ans), représente la France l'année suivante et remporte haut la main le Concours de l'Eurovision avec 32 points.
Dépassé par la vague yéyé, il se retirera alors de la chanson, tout en continuant à organiser des spectacles pour d'autres interprètes. Jacques Pills nous a quitté en 1970.
Poursuivant l'exploration entamée l'an passé (voir ici), voyons à présent les quelques albums notables parus en ce début 2012 chez nos voisins espagnols.
John Talabot est un DJ et producteur barcelonais. Après de nombreux singles et maxis, essentiellement sur le label allemand Permanent Vacation, ou sur son propre label Hivern Discs, ƒIN est son premier album, entre deep house et balearic beat. L'ensemble s'écoute aisément et sans brutalité. 4/5
Enrique Morente, disparu en décembre 2010, était à la fois un des plus grands et des plus controversés parmi les chanteurs modernes de flamenco. Il n'a pas hésité de son vivant à faire des incursions vers le punk, les musiques cubaines ou le chant grégorien. On lui compte même une collaboration avec Lee Ranaldo de Sonic Youth. Wikipedia
Los Evangelistas est un groupe constitué dans le seul but de rendre hommage à ce créateur original. Ses membres viennent tous du rock andalou (de groupes tels que Lagartija Nick ou Los Planetas) et certains ont participé aux différents projets d'Enrique Morente. Viennent collaborer en sus deux chanteuses de flamenco, Carmen Linares et Soleá Morente (la propre fille d'Enrique). L'album s'appelle en toute logique Homenaje a Enrique Morente. Le résultat est donc plutôt rock, mais avec un fil conducteur flamenco indéniable, et de nombreux morceaux que l'on pourrait qualifier d'inclassables. Le résultat n'est pas toujours probant, mais incontestablement original. 4/5
Mishima est un groupe indie pop barcelonais formé en 1998. L'amor feliç est leur 6ème album et est chanté intégralement en catalan. Le titre vient tout simplement de leur reprise de Georges Brassens, Il n'y a pas d'amour heureux, en catalan : No existeix l'amor feliç. David Carabén a une belle voix qui contribue indéniablement au succès du disque. 4/5
La chanteuse présente ici pour le duo live ne figure pas sur le disque.
McEnroe, contrairement aux apparences, est un groupe de rock originaire de la petite ville de Getxo, au pays basque. Las orillas est déjà leur 4ème album. L'ensemble est très calme et posé (certains appellent cela du slowcore...) et n'agressera donc personne. Le chanteur Ricardo Lezón a par moments une voix comparable à Matt Berninger de The National, ce qui est loin d'être un handicap. 3,5/5
Le Grupo de expertos solynieve est originaire de Grenade (Andalousie). Le monde du rock andalou n'étant pas infiniment extensible, on y retrouve sans surprise des membres des groupes mentionnés plus haut, Lagartija Nick et Los Planetas, dont Jota, également chanteur et guitariste de... Los Evangelistas. El eje de la tierra est leur 2ème album (il y a aussi eu deux maxis entre temps), dans un genre plutôt folk pop. 3,5/5
Pegasvs est un duo électronique (Sergio Pérez García et Luciana Della Villa) originaire de Barcelone. Leur premier album éponyme navigue entre synth pop et electronica. 3,5/5
Le Genge est un genre musical né au Kenya dans les années 90. On peut le décrire approximativement comme un mélange de hip-hop (pour la diction) et de dancehall (pour la rythmique), agrémenté de divers éléments de musiques locales. Les textes sont généralement en swahili, ou dans sa version argotique, le sheng. Le label emblématique en est Calif Records, fondé par le producteur Clement "Clemo" Rapudo, inventeur du terme, et Juacali, une des stars du genre. Le Genge est considéré comme un sous-genre du hip-hop kényan, et est à ce titre assez proche d'autres sous-genres tels que le Boomba ou le Kapuka rap.
Ecoutons quelques unes des stars du Genge.
Nonini est un de ces artistes kényans promis à une carrière internationale et est déjà considéré comme un des 100 kényans les plus influents !
Size 8 est une des femmes les plus populaires dans ce milieu très machiste. Elle a aussi entamé une carrière internationale et fait notamment, ici, une chanson d'encouragement pour les pompiers du Texas (où se trouvent la plupart des immigrés kényans aux Etats-Unis) !
Jua Cali est la plus grande star actuelle du hip-hop kényan, le roi du genge et l'artiste le mieux payé du pays.
Jimw@t fait partie de la nouvelle génération qui monte et est déjà très populaire.
Jimmy Ellis était le chanteur des Trammps, groupe soul originaire de Philadelphie ("Philly Soul") et devenu progressivement un des premiers groupe de disco. Il vient de nous quitter ce 8 mars à l'âge de 74 ans, des suites de la maladie d'Alzheimer. On se souvient des Trammps principalement pour leur album Disco Inferno et le single éponyme, utilisé pour le film Saturday Night Fever.
Ecoutons Jimmy Ellis et ses Trammps.
Pour bien se rendre compte du tsunami disco, il faut se rappeler que le double album de la bande originale du film Saturday Night Fever, sorti fin 1977, fut le disque le plus vendu de tous les temps jusqu'à l'arrivée de Thriller de Michael Jackson en 1982.
En ce 8 mars "journée de la femme", intéressons-nous à quelques rockeuses d'un genre particulier : les chanteuses remarquables de certains groupes de heavy metal. Il faut en effet savoir que hurler n'est pas à la portée de tout le monde et que cela peut même demander énormément de travail lorsque l'on veut changer le registre ou modifier le timbre de sa voix. Certains résultats peuvent être surprenants.
Voyons un petit choix totalement subjectif de quelques-unes de ces chanteuses.
Arch Enemy est un groupe suédois de death metal. Angela Nathalie Gossow en est la vocaliste attitrée depuis 2000. Sa voix est simplement impressionnante.
Et pour ceux qui doutent que ceci serait sa véritable voix :
Kittie est un groupe de métal canadien 100% féminin. La chanteuse et guitariste en est Morgan Lander. Ce genre de groupe n'a rien à envier aux hommes.
Cripper est un groupe de trash metal allemand. La chanteuse Britta Görtz possède elle aussi une voix assez remarquable (par contre le guitariste est une caricature du genre, mais bon, c'est ce que les métalleux attendent, non ?).
Terminons avec Otep, groupe de metal californien. La chanteuse Otep Shamaya chante ici alternativement sur deux registres.
Hé oui, c'est ça aussi les femmes ! (et c'est très bien)
Le billet d'aujourd'hui est un petit complément anecdotique au blog Histoires de jouer qui s'intéressait dernièrement à l'introduction du jeu d'échecs à l'école, suivant les dernières directives du Ministère de l'Education Nationale.
Les échecs peuvent être considérés comme un art, tout comme la musique, puisqu'il existe par exemple des prix de beauté pour les parties les plus créatives, et inversement on "joue" de la musique, ce qui prouve que l'aspect ludique est essentiel en musique, au moins pendant un certain temps. Je joue depuis très longtemps aux échecs moi-même, tout en étant musicien amateur. Je ne saurai dire si j'ai été plus ému par un morceau de musique ou certaines parties mémorables. De nombreuses analogies peuvent être trouvées entre échecs et musique, on en trouvera une très bonne analyse ici.
On ne saurait parler échecs et musique sans mentionner François-André Danican Philidor, compositeur sous Louis XV et XVI, et un des plus grand joueurs d'échecs de son temps.
Philidor
Ecoutons du Philidor :
Voyons à présent quelques morceaux s'inspirant du thème du jeu d'échecs. On trouvera déjà ici quelques centaines de pochettes de disques s'inspirant de ce jeu. On voit que tous les genres musicaux sont représentés. Manuel Göttsching est un musicien allemand, pionnier des musiques électroniques. L'album E2-E4 (1984) prend pour titre le premier coup des blancs dans l'ouverture pion-roi, la plus usitée dans le jeu d'échecs.
Ecoutons Akhenaton, alias Philippe Fragione et membre émérite de IAM, dans Métèque et mat, issu de son premier album solo et éponyme :
Un compositeur aussi original que John Cage ne pouvait manquer de s'intéresser aux échecs, et c'est donc ce qu'il fit avec Chess Piece à l'occasion d'une exposition collective à New York en 1944. Cet œuvre est à ce jour la seule de Cage qui conjugua ses trois passions : la peinture, la musique et les échecs, puisque la partition est peinte sur un modèle d'échiquier.
Il faut bien sûr mentionner le légendaire label de Chicago, Chess Records, qui a enregistré tous les grands du blues,de Muddy Waters à John Lee Hooker, en passant par Etta James, Willie Dixon et même Chuck Berry.
Terminons par un extrait du film Searching for Bobby Fischer, dont la musique n'a rien de mémorable, mais qui nous offre le plaisir de voir un blitz , ce qui est tout de même assez rare dans le cinéma.
Qubiq Records est un petit netlabel (pas d'éditions sur support physique pour l'instant) électro fondé par un DJ de Carnac (Morbihan), Samuel Demaret (aka Samiteou Noisebuilder), et un DJ de Céret (Pyrénées-Orientales), Fabrice Torricella.
Le label a sorti son premier single en avril 2011 et compte à ce jour 13 références, pour la plupart dans un style techno, parfois tech house. Huit DJ ont déjà bénéficié des services de ce label. Ecoutons une petite sélection des singles les plus intéressants.
Honneur aux fondateurs du label : commençons par écouter Sky Bird'sde Samite (QUB003).
Continuons avec le cofondateur : Second Day (QUB002) de Fabrice Torricella.
Viktor Valentino est aussi un DJ de Céret. Ecoutons Nostromo (QUB006) (référence au remorqueur spatial dans le film Alien, le huitième passager, lui-même référence au roman de Joseph Conrad).
Small Ewok est un DJ perpignanais. Ecoutons La goutte (QUB005).
Il manquait une dame. Unu est une DJ de Lille. Ecoutons Tomorrow Will Be Different (QUB011).
La chaîne Youtube de Qubiq Records permet d'écouter tous les singles.
Un petit label prometteur, à suivre !
